La primera mitad del siglo XIX está cargada de revoluciones políticas. Desde la Revolución Francesa hasta la de 1848, pasando por la época del bonapartismo, toda la izquierda europea crece con sus ojos puestos en París. Algunos pintores se comprometen con todo esto y se sitúan con o frente a unas ideologías que se van formando en tiempo real prácticamente en paralelo a los acontecimientos políticos. Con ellos empieza un discurso político más que imperativo para el arte contemporáneo.

Al mismo tiempo, la pintura como lenguaje autónomo busca desarrollarse no sólo en la obra de pintores como Ingres o los paisajistas ingleses, sino también en la producción de artistas tan comprometidos como Courbet o Millet. La lectura “moderna” de todos estos pintores ha intentado reducir su trabajo a una evolución en la que la pintura es cada vez más “sólo pintura”, pero lo cierto es que durante todo el siglo XIX el lenguaje y el contenido de las obras convive con mayor o menor dificultad.

Los impresionistas se convierten en el primer punto de inflexión para la gran narrativa moderna impuesta, en los años cincuenta, por el crítico americano Clement Greenberg. Desde esta posición da la impresión de que los artistas sólo se preocupan de su lenguaje plástico: la pintura por la pintura y la escultura por la escultura. La “despolitización” del arte, categóricamente necesaria para la “contemplación desinteresada” que exigía Greenberg a partir de una particular lectura de Kant, parece cubrir con un manto toda la producción de las primeras vanguardias. Sin embargo, muchas de las obras y algunos de sus mejores representantes son impensables sólo en este sentido. Determinados cuadros de Manet, de Monet o de Pablo Picasso, el constructivismo ruso o el surrealismo son un buen ejemplo del conflicto del artista moderno con su “responsabilidad” social.

A pesar de todo la gran narrativa greenberiana se impuso durante mucho tiempo y, a lo largo del siglo XX, muchos artistas (que en su vida particular podían tener posiciones políticas determinadas) se han estudiado como si trabajaran sólo en la producción de obras centradas en sí mismas, en su lenguaje “autónomo”, y apoyadas por una élite intelectual y también económica, la única de la que dependía un mercado del arte cada vez más centrado en el “producto”. Aprender a mirar la producción de estos artistas lejos de la narrativa formalista que acabaría imponiéndose en la fundación de museos como el MOMA de Nueva York, es uno de los objetivos principales de esta asignatura.

La asignatura Los Discursos del Arte Contemporáneo, con seis créditos ECTS, contribuye al perfil profesional del título completando la formación teórica del estudiante en el ámbito del arte de los siglos XIX y XX. El recorrido por las principales personalidades teóricas y artísticas proporciona al alumnado nuevas herramientas de pensamiento que le permitirán afrontar el fenómeno del arte contemporáneo desde perspectivas diferentes.

En este sentido, el estudiante desarrollará competencias genéricas y específicas coherentes con los resultados de aprendizaje que se espera que alcance en la asignatura. Estas competencias se detallan en el apartado "Competencias que adquiere el estudiante! de esta Guía de estudio.

En el Plan de Estudios del Grado en Lengua y Literatura Española esta asignatura se imparte en el segundo semestre del cuarto curso, como parte de las materias obligatorias destinadas a estudiar la producción literaria, plástica y cultural del siglo XX. De este modo, completa los conocimientos adquiridos desde tercero en asignaturas como Literatura española desde el siglo XVIII y XXI o Teorías literarias del siglo XX; y acompaña en cuarto curso a Teatro español (Siglos XVIII-XXI).