A mi grupo, heterogéneo donde los haya, compuesto por licenciados (o estudiantes aspirantes a serlo) en Historia del Arte, Filología, Historia, Magisterio…, le acompañó María, que se ganó enseguida la atención de todos con las historias, anécdotas y peculiaridades de sus relatos. Empezando por el cuadro más antiguo del museo (c. 1290), La Virgen y el Niño entronizados con santo Domingo, san Martín y dos ángeles, del Maestro de la Magdalena, del que quiso destacar la majestuosidad de una obra “que fue concebida para contemplarla postrado de rodillas”.

María nos hace darnos cuenta de que estos primeros cuadros del Trecento y el Quattrocento que estamos contemplando carecen de expresividad; los personajes están, pero apenas se comunican entre sí. Sin embargo, más adelante nos encontramos con una de las primeras ocasiones en las que percibimos una interacción entre los personajes. Se trata del Cristo y la samaritana, de Duccio di Buoninsegna, en donde también empezamos a vislumbrar un intento de acercamiento a una perspectiva más realista.

Poco a poco, el arte se vuelve comunicativo y cada cuadro cuenta una historia, como ocurre en La Asunción de la Virgen, obra de Johann Koerbecke en donde la composición juega un papel fundamental.

Pero no sólo las Sagradas Escrituras tenían cabida en el arte de la época. En La Adoración del Niño, de Jacques Daret, se cuenta un pasaje de los Evangelios Apócrifos, en el que José fue a buscar a dos comadronas para que asistieran a la Virgen en el parto; pero cuando llegaron, María ya había dado a luz, y una de las comadronas, Salomé, desconfiando de la virginidad de María intentó comprobar el milagro y fue castigada con la parálisis de sus manos. En su obra, Daret representa el momento en el que la comadrona se dispone a tocar al Niño que, según el texto apócrifo, la sanaría.

Y, por fin, llegamos a una de las obras maestras de las que disfrutaremos en este recorrido: el Díptico de la Anunciación, de Jan van Eyck. Una maravilla pictórica que imita a la perfección a otro arte, la escultura. “En la época había un debate sobre quién era mejor artista: un pintor o un escultor. Con esta obra, Van Eyck asevera que la pintura supera a la escultura, ya que es capaz de imitarla a la perfección”, relata María.

Y de una obra maestra saltamos a otra del Quattrocento florentino: el Retrato de Giovanna Tornabuoni, de Domenico Ghirlandaio, de una belleza tal que casi podríamos estar delante de la mismísima Dulcinea, tal como la describe Cervantes en el Quijote: “sus cabellos son oro, su frente campos elíseos, sus cejas arcos del cielo, sus ojos soles, sus mejillas rosas, sus labios corales,…”. Pero, ¡ay!, a esa belleza le falta alma. Es lo que reza el cartellino: “¡Ojalá pudiera el arte reproducir el carácter y el espíritu! En toda la tierra se encontraría un cuadro más hermoso”.

Y así continuamos la tarde, admirando la geometría y la puesta en escena de La Anunciación, de Bellini; la influencia de Leonardo en La Virgen con el Niño y san Juanito, de Bernardino Luini; la complejidad simbólica del Joven caballero en un paisaje, de Carpaccio; la maestría en la pincelada de Tiziano en su Retrato del dux Francesco Venier; o la comunicación no verbal y la importancia del retrato en la obra de Durero, Jesús entre los doctores. Unas pinceladas que complementa perfectamente las mañanas, más teóricas,  del curso de verano.

Pero tranquilos, que esto no ha hecho más que empezar…